試験内容

何事においても最初が肝心で、導入期のピアノ指導こそ一番大切であると考えています。主に小さな子供が相手である導入指導はとりわけ教師の創意・工夫が大きく必要とされるものでしょう。そのために教師は方向性をしっかり持った上で様々な指導法について常に勉強して引き出しを多く持っていなければならないと思います。一人一人の子供の個性をじっくり見極め、その子に合った指導法を見つけていき、決して音楽嫌いにさせてはいけないのです。

導入期の指導でぶつかる最大の問題に読譜がありますが、これは現代の小さな子供にいきなり五線から始めてしまうことに無理があるからだと思います。目よりまず耳から音を入れていくのが良いのではないかと私は考えています。たくさんの音・音楽を聴いて自分も音を出してみたいという気持ちになったところでピアノに触ってみるのがベストだと思うのです。これは耳の発達が手先の発達より早く６歳くらいでピークに達すると言われていることからも有効な方法であると言えます。耳は、将来、ペダルを使用する時や、自分の音を聴いて音色を作っていく時に非常に大事になってきます。よってまず聴いて、そして歌ってみる、それから弾く、というプロセスを踏んでいくのがスムーズだと考えています。ただ耳にあまり偏ると楽譜を見なくなってしまい、読譜の力がつかなくなってしまうので、うまくピアノに興味を持ったら、音符を教えていきます。この時に気をつけるのは、楽しく音符を覚えてもらうことです。今は様々はカード等の教材が入手できるのでそれらをうまくとりいれ遊び感覚で進めるようにします。そうして音符と鍵盤の位置がわかってきたところですが、音符を並べただけでは音楽になりませんから、同時にリズム感も身につけていかなければなりません。音楽の三要素である、リズム、メロディー、ハーモニー、これらをこの順番通りに、バランス良く、大切な導入期に教えていくことが、将来のための基礎となっていくのです。このように導入期のピアノ指導においてはソルフェージュが欠かせないものであると言えます。

ピアノ奏法の観点から導入期の指導で大切なのは、手の形と脱力であると思います。これらは小さな子供には早い、ということはなく、むしろ小さいうちにこそ身につけておくべきことだと思っています。すぐにできるようになることではないので、長い目で見て、しかし妥協することなく、根気強く導いていけばいつか必ず出来るようになります。

以上導入期の指導について述べてきましたが、どんな子供にも秘めた可能性があり、それを引き出して導いてやるのが私達ピアノ教師の役目であると思っています。たとえ音楽の道へ進まなくともその子なりに音楽を楽しみ、人生の傍らに音楽がある、そうした人が増えて音楽愛好者の底辺が広がっていくことは私達皆の願いではないでしょうか。そのための基礎作りをあせらず、休まず、あきらめずにやっていきたいと思います。

ピアノを弾いていく上で、レベルが上がるにつれて曲の内容も濃くなり、作曲家の時代や、国によっても奏法が異なり、芸術性の高い演奏が求められるということを、自分でも感じ、これまで沢山のベテラン先生方の講座で学び、新しい発見の連続でしたので、それを生かせるレッスンをしていきたいと思い、ここで述べたいと思います。

特に印象の強かった、赤松林太郎先生のバロックについての講座で学んだことを中心に書かせていただきたいと思います。

バロック音楽は、その前の時代のルネッサンスから受け継がれ、舞曲（フランスで生まれた）、対位法、ファンタジア、この３つが柱になるということです。

ルイ１４世の時代には、メヌエット、クーラント、（フランス風）、ジーグが流行り、その中でクーラントは王が最初に踊るものと言われ、王にしかできないステップだったそうです。メヌエットは２種類あり、最初に左手が和音で始まる、テンポが落ち着いて、装飾も多く入った優雅なものと、最初に和音のない６拍で１フレーズの軽やかなテンポのものがあるということも、発見でした。前述の方は、踊るためのメヌエット、後述の方は器楽的なメヌエットということも学びました。

同じく、ガボット（フランス）も踊るためのものと、器楽曲としてのテンポの速いガボットがあるということです。

これまで、メヌエットやガボットというと、当然踊りの曲だと思い込んでいたのですが、大きな誤解でした。知らないということは、恐ろしいと思います。その曲の特徴を知った上で演奏をしなければ、全く違う音楽になってしまいます。

ルネッサンスの音楽があってバロックが始まったわけですが、バッハについて書きますと、バッハはイタリア、フランス両方の様式をもってきて、作曲されたそうです。よく聞かれるクーラントはフランス様式で、テンポは遅い、コレンテはイタリア様式でテンポは速いということ。

インベンションの中でも、３番はDdurでフランス風で優雅、４番はｄmollでイタリア風ということもお話いただき、今まで考えたこともありませんでした。ですので、数多くあるバッハの作品は、フランス風なのか、イタリア風なのかと、疑問を持ちながら、取り組むべきだと思いますし、生徒にも意識させるとよいと思います。

そしてバッハの作品は、２声の曲でも３声の曲でも、４声（ソプラノ、アルト、テノール、バス）でできていると考え、それぞれのパートの音色を考えて演奏につなげると、立体的な演奏になるということを伺い、これからのインヴェンションの指導の仕方も広がり、生徒と一緒に音楽を作っていくことが楽しみになりました。

ひとりの作曲家だけでも音楽の背景には沢山のことがあり、それが文学、絵画、建造物など音楽と深い関係があるわけですので、奥の深さを改めて感じました。

今まではなんとなくバロックの曲はこんな感じ・・・・というような漠然としたものしかなく、大変お恥ずかしいことでした。ついつい目の前にある、楽譜を必死に見て、それをピアノで弾く作業になりがちですが、それでは音楽の質は高まりません。

常にアンテナを張り、その時代の背景との結びつき、関わりを考えて演奏すべきだと強く感じました。指導者の知識が豊富であれば、生徒にも伝えられる引き出しが増えますし、生徒本人も指導者の影響をうけて、自発的に調べるようになり、作曲家の意図する演奏に近づけるのではないかと思います。