4期の弾き分け（執筆：金子恵）

この時代の音楽の役割は主に教会と宮廷でした。教会では神に祈りを捧げる儀式の一つとして音楽が存在し、作曲家は教会の為に作品を生み出し、音楽家としての職を得ていました。歌が主流となって多声部音楽が作られたので、各々の声部は皆旋律となり、旋律が重なって形作られたポリフォニーがこの時代を担っていきました。バロック音楽を演奏する上で大事なジャンルはいくつかありますが、教会音楽の他に私たちが勉強する曲でかなりのウエイトをしめているのは、バロックダンスです。

バロックダンスは宮廷で行われた社交ダンスとして貴族の間で広まっていき、また貴族の教養の一つとして、音楽を嗜む事は重要な意味を持っていました。才能のある音楽家たちは、貴族たちに雇われ職を得て、社会的な地位を築いていったのです。この時に必要になった楽器がチェンバロです。お城に置いても相応しい優美な楽器がヨーロッパの各地で製作され、チェンバロはこの時代を担ってきました。踊りだけでなく、貴族の奥方、子女たちの習い事の一つとしても活躍し、そのために作曲された曲も数多くあるでしょう。

このように宗教的なもの、踊り、鍵盤楽器を弾くために必要な知識を習得するもの（例.平均律クラヴィーア曲集）、といったジャンルにおいて、音楽の性格を使い分けて作曲家たちは曲を生み出してきました。私たちはそれぞれの性格をよく把握して、演奏するように心掛ける事が大切です。

この時代は、音楽に形式をはっきりと持たせ、管弦楽が主流となる音楽を作曲家たちは書くようになります。そして今までのポリフォニーの形からホモフォニーへと変化していきます。一つの旋律が歌の主体となり、他の声部は和声とリズムのみを演奏する、いわば伴奏形です。そして鍵盤楽器の発達に伴って、ピアノという楽器が得意なモーツァルトは、その技量を発揮し多くのピアノ協奏曲を作曲しました。

管弦楽と鍵盤楽器のアンサンブルの形は、バロック時代にもありましたが、モーツァルトは鍵盤楽器をより主体的に華やかに見せる技を持っていたため、協奏曲のジャンルで、管弦楽と鍵盤楽器のアンサンブルの素晴らしさを世の中に広めていきました。特にカデンツァにおいては、即興演奏の実力を発揮していました。協奏曲の形式は、ピアノ・ソナタの分野でも同じ事が言えます。また即興性を活かした形式の一つに変奏曲があります。変奏曲がこの時代に流行ったことも大切なポイントとなります。

ロマン派はベートーヴェンの晩年の頃からブラームスが生きた時代までと言えるでしょう。古典派で大きく発展した鍵盤楽器に伴い、文学が音楽に附随したことで音楽は人間の心の表現へと大きく変化していきました。「言葉」が音楽にとって、非常に大切な要素となっていきます。この時代は音楽が市民階級の人々にも浸透していったため、ヨーロッパでは色々な国で才能ある作曲家が出現し、ロシア、ポーランド、北欧など古典派では見られなかった国の作曲家たちが、名曲を山ほど残してくれました。言葉は音楽に抑揚をもたらします。言葉で語るように歌うことが演奏上求められ、この抑揚が音楽の揺れを作り、ロマン的な表現を醸し出します。鍵盤楽器も人間の感情に応えるように、さまざまな音色が表現できるように改良されていきます。

作曲家が求めている音楽表現に近づくためには、その作曲家の話している言語を理解する必要があるでしょう。それはバロック音楽や古典派の音楽、また近現代にももちろん言えることですが、ロマン派はそれが顕著に現れています。それは特に歌曲という分野で見ることができます。ピアノを学習する上で、歌曲をたくさん聴いて言葉の抑揚を感じ取る事はとても大切な事です。

一般的に近現代と言われる時代はドビュッシーの作品以降と言えるでしょう。ロマン派の作曲家兼ピアニストたちが、ヨーロッパ、アメリカの各地へ繰り返し演奏旅行に出向いたお陰で、世界中の人々がヨーロッパの文化的伝統音楽を聴く機会を得られました。バロックからロマン派までの音楽家たちが、その歴史的遺産をしっかりと受け継いで後世に伝えていった証がこの時代に反映され、更に多くの国から才能ある作曲家が誕生しました。

そして、各々の国の文化を象徴する民族音楽が、作曲家の手によって続々と発表されていったことが特徴的です。ロマン派の感情表現に対して、国々の土地柄、自然などを表現する描写的な音楽が多く出現するようになりました。また第一次世界大戦、第二次世界大戦といった世界的に悲劇をもたらした戦争を体験した事によって生まれた音楽が、数多く見られます。

社会的発展によって得た豊かな暮らしから、戦争によって破壊された人間の姿を網羅した時代が、この時代の作曲家の生み出す音楽に反映されていることがうかがえます。鍵盤楽器もそのような幅広い音楽表現に耐えうるように研究され、現在の形に完成していったと言えるでしょう。

鍵盤楽器で弾くバロックの音楽は、「踊り」が大半を占めていてメヌエット、ガボット、ポロネーズ、ブレー、ジーグなど、たくさんの種類の踊りがあります。各々の踊りのステップに従ってアーティキュレーションが決まっているので、それぞれの踊りの性格を捉えて、アーティキュレーションを付けていくことが必要になります。また、踊りの曲でない場合も、その曲の音列を良く見ると、どのように音節が作られているかが発見できるので、自分が解釈した音節で音楽を表現することができます。現代のピアノで演奏するにあたって気をつけたいのは、音の発音、音量、アーティキュレーション、そしてテンポです。現代のピアノは少し触れるだけで音が簡単に出るので、テンポも速くなりがちです。バロックらしさを醸し出す上でテンポ設定も大事な要素になってくるでしょう。

音楽のスタイルがホモフォニーになった事で、主役と脇役の役目が声部ごとにはっきりと分けられるようになりました。主役のメロディーが引き立たないとならないので、脇役の伴奏の部分は音量を控えるように、全体のバランスを指でコントロールしなければなりません。楽器が進化した分、演奏技術の難易度も高くなった事は、現代のピアノにも引き継がれています。多くの作曲家によりピアノの曲がたくさん作られるようになりましたが、シンフォニーのような形がピアノ1台で可能になったので、一人で弾いていても、音楽は管弦楽やオペラのような内容である事を把握して表現することが大切です。

この時代は文学が音楽と一体化した作品が多く、人間が心の感情をあらわにし、個性をアピールできる自由さが表現の源となりました。それに併せて、ピアノはタッチの仕方でより多くの音色を出す事が可能になったので、感情表現に必要な時間の揺れと楽器が持つ多彩な音色を同時に表現できるようになりました。調律法も純正調から平均律になっていった事も要因の一つとして、調性の広がりが可能になりました。

古典派に比べて実に臨時記号が増えたことが分かりますが、演奏上では調性感、和声感も豊かに表現できるような技術を習得することが大切です。時間の揺れは、一般的にルバートという文言で表現する事が常ですが、どのようにルバートするかについては、ディクションなどを通じて言葉の勉強をするなど、深く追求しないと確信についた表現は難しいでしょう。フレーズの抑揚、調性と和声の意味をどう感じるか、そしてそれをピアノの音にする時、イメージした音をどのようにタッチしたら思い通りの音色が出るのかを、技術的にも習得する必要があるのです。